O peixe fora de água é a imagem perfeita para esta sessão. No último filme, “Esquizoframe”, o homem perturbado tenta comê-lo, tenta mantê-lo vivo nos baldes de água da chuva que tentam impedir a casa de se deteriorar, mas falha em ambas as coisas. É o retrato da nossa própria condição, a tentativa desesperada de sobreviver num ambiente que já não nos pertence.
Por: Leonor Teixeira Santos
Esta é a linha invisível que a curadoria traça entre cinco filmes que, à partida, nunca se cruzariam. Mais do que uma sucessão de histórias, assistimos a uma contaminação mútua, onde a arte reflete os problemas da sociedade que deixam as pessoas à margem, mas também a natureza do ser humano, que erra e não é apenas vítima das circunstâncias.
O início, com “No Princípio”, reflete a pressão da sociedade para chegar a conclusões científicas. A sua estética monocromática e o traço 2D preparam o terreno que ecoará mais tarde. O erro está lá, a necessidade de fugir aos problemas de contaminação na Terra levou a ações desproporcionais, como mandar humanos para a lua, baseadas em investigações científicas aprofundadas, mas erradas porque não deixam se ser humanas. A forma como a história é contada distorce a realidade e influencia mitos, provando que a nossa ânsia de respostas gera, muitas vezes, ruturas.
Segue-se “A Última Meia”, que parece oferecer um alívio nostálgico e confortante. As suas texturas e a paleta de cores remetem para a infância, mas é uma falsa segurança. A infância também tem o seu lado perturbador, o confronto com a realidade adulta, e os adultos, por sua vez, confrontam-se com o seu passado. A ganância rompe a inocência e a criança que rouba a meia sem maldade, apenas para criar um brinquedo, é arrastada para uma guerra que não compreende.
O conforto desfaz-se, mostrando como a sociedade corrompe a pureza.
Se o segundo filme nos engana com a nostalgia, “Flui” traz o peso real de ser adulto. A tinta sobre a água e a estética de aquarela traduzem o peso do passado e o desejo de fluir, de se deixar levar, de morrer, para escapar a um mundo onde já não se tem a amada. É o repensar obsessivo do suicídio, seja de quem o comete, seja de quem observa de fora, numa tentativa de compreender o erro e a perda. “Vagabundo” abandona a introspeção e assume o papel de uma câmara na margem. O próprio é um ponto de observação que ninguém nota, no comboio que não pode parar porque precisa de sobreviver. A sociedade continua a viver as suas histórias, indiferente ao homem que se aquece no carvão.
Mas a sua comunhão com a natureza revela que não é necessário haver estes extratos sociais. O erro, aqui, é da sociedade que marginaliza, mas também do humano que se entrega à bebida e deixa a flor da sua meditação apodrecer.
Por fim, “Esquizoframe” rompe definitivamente com o conforto da animação. O homem que tenta controlar o peixe sem o conseguir comer, enquanto a chuva invade a casa, é a metáfora final. A chuva não é apenas um elemento narrativo mas sim a lei natural das coisas que não pode ser controlada, e as suas pinceladas fortes, que inundam o interior e distorcem a face do homem, remetem diretamente para o expressionismo e para a expressão intensa do sofrimento humano. Ao mesmo tempo, a sobreposição de perspetivas, o acidente visto por vários ângulos, o tempo que para e recomeça, é uma clara referência ao cubismo, mostrando a realidade fragmentada de quem já não consegue reconhecer-se ao espelho. No fundo, todos os filmes mostram o mesmo peixe a debater-se. Seja pela pressão científica, pela ganância, pelo luto, pela exclusão social ou pela perturbação mental, o ser humano tenta desesperadamente manter-se vivo e encontrar sentido.
Mas, tal como o peixe que o homem perturbado não consegue comer nem salvar, há realidades que são simplesmente impossíveis de controlar. Ficamos todos, de alguma forma, fora de água.